lauantai 31. joulukuuta 2011

44. Electric Light Orchestra: Eldorado (A Symphony by the Electric Light Orchestra) (1974)

Kuuntele koko albumi Spotifysta.
Vuonna 1971 ensimmäisen levynsä julkaissut The Electric Light Orchestra yhdisti uudella tavalla rock-musiikkia ja klassisen musiikin elementtejä. Totutun kitaristi, basisti ja rumpali -kokoonpanon lisäksi yhtyeeseen kuului viulisti, pari sellistiä ja kontrabasson soittaja. Jousia oli toki käytetty rock-musiikissa ennenkin, mutta nyt nämä soittimet olivat kiinteä osa yhtyettä ja jokaista kappaletta. Eldorado oli yhtyeen neljäs albumi, jolloin kokoonpanoon kuului myös kapellimestari, jonka johtama sinfomiaorkesteri lisäsi levyn klassisia vaikutteita.

The Electric Light Orchestran tie levyhyllyyni alkoi, niinkuin monen muunkin artistin kohdalla, Tampereen kaupunginkirjaston mainiolta musiikkiosastolta. Kovin montaa ELO:n albumia siellä ei 1980-1990-lukujen vaihteessa ollut, mutta käsikirjastossa kuunneltavana oli muun muassa yhtyeen ensimmäinen levy ja tämä neljäs albumi Eldorado.

ELO syntyi The Move yhtyeen raunioille, kun yhtyeen voimahahmot Roy Wood ja Jeff Lynne visioivat mielessään yhtyeen, joka yhdistäisi rockin ja klassiset soittimet. Esikuvana Woodilla ja Lynnellä oli The Beatlesin kappaleet Straweberry fields forever ja I am the Walrus, joissa yhtye sovitti uudella tavalla yhteen jousia ja perinteisiä rock-instrumentteja.

ELO:n ensimmäisen levyn jälkeen Roy Wood lähti omille teilleen, Jeff Lynne jäi yksin visioimaan yhtyeen tulevaisuutta. Käytännössä The Electric Light Orchestra olikin toisesta levystään lähtien Jeff Lynnen sooloprojekti, hän sävelsi kappaleet, tuotti levyt ja lauloi kappaleissa sooloa. Yhtyeen muu kokoonpano vaihteli vuosien varrella. Eldorado osui yhtyeen ensimmäiseen monista murrosvaiheista, jolloin yhtyeen omien jousisoittimien lisäksi levyillä käytettiin täysipainoista sinfoniaorkesteria, ja yhtyeen rivistöön liittyi kapellimestari Louis Clark.
Eldoradon aloituskappale ja suurin hitti I can't get it out of my head on perinteinen rockballadi, jota höystettiin monikerroksisella jousi- ja kuorosovituksella. Orkesteria ei kuitenkaan käytetty kaikilla raidoilla, esimerkiksi kappaleen Laredo Tornado tausta rakentuu yhtyeen kolmen jousisoittajan (viulu ja kaksi selloa) säestyksen varaan.
Eldoradon-albumin tarina kertoo henkilöstä, joka siirtyy unen mukana eri aikoihin ja paikkoihin. Satumaisuutta korostaa levyn kansi, joka on varastettu Wizard of Oz elokuvasta. Kappaleessa Poor boy levyn päähenkilö unelmoi kuuluvansa Robin Hoodin joukkoihin ja rakastuvansa Marian neitoon.
Levyn vaikuttavin kappale päättää albumin. Kappaleessa Eldorado levyn päähenkilö herää unesta todellisuuteen. Majesteettisiin mittasuhteisiin paisuvassa sovituksessa käytetään orkesterin, kuoron ja muun bändin voimavarat loppuun saakka ja ainakin minä jään haukkomaan henkeäni levyn päätyttyä.
Eldoradon jälkeen ELO:n albumit mahtipontisista teema-kokonaisuuksista lähemmäs tavallisia poplevyjä, vaikka monimutkaiset jousisovitukset jäivät yhä yhtyeen tuntomerkiksi. Eldoradon mystinen tunnelma ja hienot sävellykset nostavat albumin yhtyeen tuotannon ehdottomaan kärkikastiin. Leyvn kappaleita ei myöskään ole pilattu ylisoittamisella, muutamaa Jake Nymanin ohjelmaa lukuunottamatta, en ole Eldoradon kappaleita kuullut muualta kuin omalta cd-soittimeltani.

tiistai 27. joulukuuta 2011

43. Madonna: I'm breathless (1990)

Kuuntele koko albumi Spotifyssa
I'm Breathless -albumille Madonna kokosi elokuvassa Dick Tracy esittämiään kappaleita täydentäen levyä samaa 1930-luvun tyyliä kosiskelevilla muilla sävellyksillä. Elokuvassa Madonnalla oli vain sivurooli, mutta laulaja onnistui Breathless Mahoney -nimisen baarilaulajattaren roolissa paremmin kuin monissa muissa elokuvarooleissaan. Albumi poikkesi merkittävästi laulajan muista levyistä tyylillään ja myös sillä, että sen kappaleet aiheuttivat vähemmän skandaaleja kuin Madonnan muiden levyjen musiikki keskimäärin.

Taiteilija nimeltä Madonna on aina ollut minulle hankala. Toisaalta hän on tehnyt monta erinomaista albumia ja paljon hienoa musiikkia. Artistin imago on kuitenkin ollut korostetun itsekeskeinen, ja seksin ja uskonnollisten provokaatioiden avulla on markkinoitu myös sellaisia levyjä ja kappaleita, joiden musiikillinen arvo ei ole ollut kovin kaksinen. Lopputuloksena on ollut kovin poukkoileva laulajanura, jossa kohut ja kuohut ovat usein peittäneet alleen niin musiikilliset flopit kuin onnistumisetkin.

Madonnan näyttelijäura on ollut niin ikään myrskyisä. Kehuja hän ei rooleistaan ole juurikaan saanut, mutta kohua sitäkin enemmän. Pääroolit mm. elokuvissa Who's that girl, Shanghai surprise ja Evita saivat osakseen lähinnä ilkkumista. Paljon paremmin hän onnistui elokuvissa, joissa hän esiintyi sivuroolissa muiden näyttelijöiden huolehtiessa haastavimmista osista. Esimerkiksi elokuvassa League of her own Madonna ylsi mielestäni erinomaiseen suoritukseen suorasanaisena naispesäpallon pelaajana. Toinen onnistuminen oli elokuvassa Dick Tracy, jossa Madonna esitti kapakkalaulaja Breathless Mahoney:a. Vuonna 1990 ilmestynyt I'm Breathless -albumi yhdisti Madonnan elokuvassa laulamia kappaleita muihin samaa tyylilajia edustaviin Madonna-kappaleisiin.

Madonna on kuin kotonaan 1930-luvun miljöön ja musiikin parissa. Vaikka levyn aloittava He's a man tuntuu käsittelevän Dick Tracyn tapahtumia, ei se kuitenkaan ole peräisin elokuvasta. Levyn ei elokuvakappaleet Madonna on säveltänyt vanhan tuottajakumppaninsa Patrick Leonardin kanssa.

Elokuvalaulujen säveltäjä on musikaaliveteraani Stephen Sondheim, jonka kuuluisimpia töitä ovat New Yorkin kaduille siirretty Romeo ja Julia -tarina West Side Story sekä murhanhimoisesta parturista kertova musikaali Sweeney Todd.  Madonnan parhaita hetkiä Dick Tracy -elokuvassa on hänen tulkintansa Sondheimin kappaleesta Sooner or later.
I'm breathless -albumin 1930-lukulaiset jazzkappaleet tuovat Madonnasta esiin puolen, jota hänen muilla levyillä ei juuri kuulla. Parhaimmillaan Madonna on sävykäs tulkitsija, joka lauluissa tuo esiin myös henkilökohtaisen haavoittuvuutensa.

Elokuvan avainkohdassa Breathless Mahoney laulaa duettona pianistinsa (jota esittää Mandy Patinkin) kanssa Sondheimin kappaleen What can you lose. Itselleni ei tule mieleen yhtään toista duettoa, jossa Madonna jakaa parrasvalon tasapuolisesti duettoparinsa kanssa.

Tämän hienon albumin ainoa selkeä tyylirikko on levyn lopussa, johon ilmeisesti levy-yhtiön vaatimuksesta on lisätty Madonnan pari kuukautta aiemmin julkaisema hittisingle Vogue. Vaikka laulussa käsitellään vanhan ajan tunnettuja elokuvatähtiä, ei sillä musiikkinsa puolesta ole mitään tekemistä Dick Tracy -elokuvan tai levyn muiden kappaleiden kanssa. House-tuottaja Shep Pettibonen kanssa tehty Vogue oli Madonnan siihen astisen uran suurimpia hittejä, ja erittäin tarttuva hitti se onkin.
I'm Breathless on toistaiseksi ainoa Madonnan albumeista, joka luottaa vanhan kunnon iskelmän ja jazzin taikaan, ja levy onkin miellyttävä poikkeus laulajan dance-painotteisella uralla. Toivottavasti jo reippaasti yli 50-vuotias kaiken kokenut megatähti uskaltaisi toisenkin kerran poiketa tutulta ja turvalliselta polulta, ja tehdä levyllisen jotain aivan muuta.

sunnuntai 25. joulukuuta 2011

42. Petri Laaksonen: Talven syliin (2004)

Talven syliin on toinen Petri Laaksosen tekemistä joululevyistä. Edeltäjänsä, vuonna 1997 julkaistun Lumivalkeaa-levyn tavoin, Laaksonen yhdistää tällä levyllä tyylitajuisesti perinteisiä joululauluja sekä uusia, itse säveltämiään kappaleita joiden tekstit ulottuvat joulun hengellisestä sanomasta talvista joulumaisemaan ylistäviin kappaleisiin ja talvisiin rakkauslauluihin.

En ole koskaan ollut iskelmälaulajien joululevyjen ystävä. Perinteiset joululaulut kuulostavat usein, eivät toki aina, jotenkin falskeilta iskelmälaulajien laulamina ja iskelmäsovitusten taustoittamina. Uudet, iskelmälaulajille varta vasten sävelletyt joululaulut toimivat usein paremmin, mutta niitä kuulee radiosta harvoin. Niitä harvoja jotka ovat nousseet suosituiksi, soitetaan liiankin usein. Esimerkiksi kappaleeseen Sydämeeni joulun teen olen jo lopen kyllästynyt, vaikka sen tekstissä ja sävelessä ei sinänsä ole mitään vikaa.

Suomalaista solisteista Petri Laaksonen on tehnyt peräti kaksi onnistunutta joululevyä. Säveltäjänä hän on osannut tehdä itselleen toimivia jouluiskelmiä ja sanoittajiksi hän on kerännyt Suomen parhaimmistoa. Sekä gospelia ja iskelmää tehnyt lauluntekijä yhdistää levyllään ongelmitta hengellisiä ja "maallisempia" joulutekstejä uusiin sävelmiin. Mukana on sopivasti pari joululauluklassikkoa.


Levyn nimikappaleessa Laaksonen on saanut duettokaverikseen Virve Rostin, jolle säveltäjä on tehnyt monta hittikappaletta, tunnetuimpana vuoden 1987 euroviisu Sata salamaa. Talven syliin on talvinen rakkauslaulu, joka toimii niin lumihankien keskellä kuin tämän vuoden mustan sateessa. Teksti on Pekka Laaksosen.

Suomalaisen iskelmän suosituimpia sanoittajia on tällä hetkellä Sinikka Svärd, joka kappaleessa Saa joulun ihme koskettaa kuvaa taitavasti yksin jääneen ihmisen joulutuntoja. Kaunis sovitus antaa kappaleelle hienon lisävivahteen.


Uusien joululaulujen lisäksi Petri Laaksonen tekee omat versionsa jouluklassikosta Heinillä härkien kaukalon ja Jaakko Löytyn Ilouutinen -joululaulusta. Levy on tasapainoinen kokoelma hienoja Laaksosen sävellyksiä, jotka laulaja tulkitsee tutulla taidollaan. Jos kaipaat levyhyllyyn kotimaista suhteellisen uutta joulumusiikkia, niin tässä on hyvä ehdokas siihen.

keskiviikko 21. joulukuuta 2011

41. Lara Fabian: Nue (2001)

Kuuntele koko albumi Spotifyssa
Lara Fabiania verrataan usein Céline Dioniin, eikä ihme. Molemmat laulajat tulivat Euroopassa tunnetuksi Eurovision laulukilpailuista vuodelta 1988, jossa molemmat sijoittuivat viiden parhaan joukkoon. Molemmat aloittivat kansainvälisen uransa ranskankielisestä Kanadasta käsin ja levyttivät myöhemmin myös englanniksi. Molemmat ovat taitavia ja vahvoja laulajia, eikä ikäeroakaan näillä laulajattarilla ole kuin kaksi vuotta. Siinä missä Céline Dionista on tullut yksi maailman eniten levyjä myyneistä supertähdistä, on Fabianin menestys rajoittunut lähes yksinomaan ranskankieliseen maailmaan.

Vuoden 1988 euroviisuissa minulla oli kaksi suursuosikkia. Heistä toinen, Sveitsiä edustanut Céline Dion voitti kilpailun vain yhden pisteen erolla ja alle kymmenessä vuodessä hän nousi yhdeksi maailman suurimmista laulajatähdistä. Luxemburgia edusti samana vuonna belgialais-italialainen, 18 vuotias Lara Fabian kappaleella Croire. Nuoren laulajan vahva esitys jätti minuun suuren vaikutuksen, mutta kilpailussa neljänneksi tullut laulaja katosi monen muun kilpailijan tavoin pian unohduksiin.

1990-luvun puolivälissä Lara Fabianin nimi ilmestyi uudelleen levykauppojen valikoimiin. Kanadaan muuttanut Fabian ei ollut saanut uralleen nostetta euroviisuista, mutta nyt hän oli omillaan onnistunut nousemaan tähdeksi Kanadan musiikkitaivaalla, missä Céline Dion oli hallinnut itsevaltiaan tavoin. Pian Kanadassa suosioon noussut laulaja pääsi listoille myös kotimantereensa ranskankielisissä maissa.
 Lara Fabian on tehnyt monta hienoa levyä, mutta hänen levyistään vaikuttavin on mielestäni hänen viides soololevynsä, vuonna 2001 ilmestynyt Nue. Levyn aloittava J'y crois encore luo hyvin levyn tunnelmaa, joka perustuu vahvohin melodioihin ja Fabianin vivahteikkaaseen tulkintaan.

Dionin tavoin Fabian yritti menestystä myös englanniksi ja onnistuikin saamaan kappaleet I will love again ja Adagio listoille mm. Yhdysvalloissa. Kahdesta hienosta albumista huolimatta ei ura englanninkielisillä markkinoilla auennut, ja Fabian on sittemmin keskittynyt ranskankieliseen uraansa.

Vaikka menestys Yhdysvalloissa ei parin pikkuhitin jälkeen jatkunutkaan, on Fabian saanut vahvan aseman ranskankielisten maiden musiikkielämässä. On jopa hyvä, että Fabianin suosio ei noussut Céline Dionmaisiin mittasuhteisiin, ja Fabian on saanut keskittyä ranskankieliseen uraansa ja tehdä sitä, missä hän on parhaimmillaan. Samalla sekä Fabian että hänen musiikkinsa on saanut jäädä rauhaan maailmansuosion sivuvaikutuksilta. Maailman ykköstähtenä hän tuskin olisi tehnyt levyn koskettavinta kappaletta, Tu es mon autre, duettona belgialaislaulaja Mauranen kanssa.
Levyn kappaleista suurin osa on Fabianin ja tuottaja Rick Allisonin yhteistyötä. Albumi Nue oli Fabianin ja Allisonin viides ja viimeinen yhteistyönä syntynyt albumi. Jean-Félix Lalannen kanssa yhteistyönä neljä vuotta myöhemmin syntynyt albumi 9 on niin ikään erinomainen, mutta palaan siihen blogissani myöhemmin.

Lara Fabian on jälleen yksi muistutus siitä, että Euroviisuista on noussut muitakin maailmantähtiä kuin vain Abba ja Céline Dion. Fabianin levyt ovat kielisyistä johtuen jääneet valitettavan tuntemattomiksi Suomessa.

sunnuntai 18. joulukuuta 2011

40. The Real Group: Commonly unique (2000)

Ruotsalainen lauluyhtye The Real Group on ollut esikuvana monille muille a cappella -ryhmille. Yhtye on lähes 30 vuotisen olemassaolonsa aikana tullut tunnetuksei pohjoismaiden ulkopuolella muun muassa Koreassa. Real Group on Suomessa tuttu yhteistyöstään Lauluyhtye Rajattoman kanssa, Rajaton on toiminut yhtyeen lämppärinä Korean kiertueella ja Suomessa yhtyeet ovat esiintyneet yhdessä monta kertaa. Vuonna 2000 ilmestynyt Commonly Unique -albumi esittelee yhtyeen monipuolista tyylirepertuaaria pop-iskelmästä jazz-revittelyyn.

Tutustuin ruotsalaiseen lauluyhtyeeseen The Real Group suomalaisen Rajattoman välityksellä. Yksi parhaista konserteista missä olen koskaan käynyt oli Savoyssa pidetty Rajattoman ja Real Groupin yhteiskonsertti. Yhtyeillä on paljon yhteistä, mutta erojakin löytyi. Ainoa moite ruotsalaisyhtyettä kohtaan minun puoleltani oli se, että he eivät laulaneet yhtään laulua ruotsiksi.

Myös Commonly Unique -albumin kaikki laulut ovat englanninkielisiä. Yhtyeen kohderyhmä vuosituhannen vaihteessa oli siirtynyt selvästi Ruotsin ulkopuolelle.

Levyn aloittaa yksi yhtyeen suurimmista hiteistä, saippuaooppreoille pilaileva Substitute for life, jonka musiikkivide komppaa hyvin satiirista lauluntekstiä. You Tubesta löytynyt videotallenne on huonolaatuinen, mutta video on siinä määrin hauska että olen lisännyt sen tähän. Parempilaatuista audiota varten alapuolelta löytyy myös Grooveshark-linkki.

 
Substitute for Life by Real Group, The on Grooveshark


Siinä missä suomalaiset a cappella -yhtyeet pohjaavat usein laulunsa tunnettujen runoilijoiden teksteihin tai vanhojen hittien uudelleensovituksiin, tekee The Real Group pääasiassa musiikkinsa itse. Commonly Unique -levyllä kaikki kappaleet ovat yhtyeen jäsenten kirjoittamia, myös ehkä eniten Rajattoman musiikkityyliä lähellä oleva Lift me up.

  

Real Group aloitti toimintansa jo 1984, ja vuoteen 2006 asti yhtye onnistui säilyttämään alkuperäisen kokoonpanonsa. Sittemmin yhtyeen alkuperäisistä jäsenistä kaksi on jättänyt yhtyeen. Yhtyeen alkuaikojen tyyli oli lähellä jazzia ja schlageria. Vaikka Real Group on musiikissaan siirtynyt lähemmäksi nykyaikaista popmusiikkia, ei se ole täysin hylännyt jazzjuuriaan. Commonly Unique -albumilla jazzia edustaa kappale A thousand things.

Thousand Things by The Real Group on Grooveshark

Suomen tunnetuimmat a cappella -yhtyeet ovat saaneensa paljon vaikutteita ruotsalaiselta isoveljeltään. Club for five -yhtyeen musiikissa on selkeitä yhtymäkohtia esimerkiksi tämän levyn nimikkokappaleeseen.

Commonly Unique by The Real Group on Grooveshark 

The Real Groupin Commonly Unique -cd on jälleen esimerkki siitä, miten Ruotsissa on ymmärretty cd-levyn kansivihkosen mahdollisuudet. Tämänkään levyn kansilehti ei ole vain pienennetty versio lp-levyn kannesta vaan tyylikkäästi taitettu kokoelma valokuvia, joissa yhtyeen jäsenet rentoutuvat ystävien seurassa, pelaavat lentopalloa ja leikkivät lasten kanssa. Nämä ilmeisen aidot kuvat kertovat kohteistaan monta kertaa enemmän kuin perinteiset poseerauskuvat.

keskiviikko 14. joulukuuta 2011

39. Traveling Wilburys: Vol. 1 (1988)

Moni hieno asia syntyy vahingossa ja se koskee myös pop-musiikkia. The Traveling Wilburys -yhtye syntyi pyytämättä ja täytenä yllätyksenä usean yhteensattuman seurauksena. Viiden tunnetun muusikon superyhtyeen ensimmäisestä levystä tuli menestys ja se on edelleen nautittavaa mutta samalla varsin leppoista kuunneltavaa. Yhtye jäi lyhytikäiseksi, mutta sen merkitys rock-musiikin historiassa on edelleen merkittävä.

Saatuani vuonna 1987 joululahjaksi George Harrisonin soololbumin Cloud 9, innostuin Harrisonin soolourasta. Ostin hänen vanhempia levyjään ja odotin uutta Harrison-levyä, jonka arvelin ilmestyvän muutaman vuoden päästä. Yllätyinkin melkoisesti, kun kuulin jo vuoden 1988 aikana radiosta kappaleen Handle with care, jonka laulaja kuullosti erehdyttävästi Harrisonilta. Asiaa selvitettyäni sain tietää, että kysymys oli Harrisonin sivuprojektista, muiden rock-legendojen kanssa tehdystä levystä Traveling Wilburys vol. 1, jonka löysin lopulta helsinkiläisestä levykaupasta.

Handle with caresta piti alun perin tulla vain Harrisonin uuden singlen B-puoli. Levyä tekemään Harrison pyysi Cloud 9 albumin tuottaneen Electric Light Orchestra -guru Jeff Lynnen, ja koska Lynne oli parhaillaan tekemässä levyä 60-luvun laulajalegendan Roy Orbisonin kanssa, pyysi Harrison myös hänet laulamaan levylle. Harrisonin kitara oli lainassa Tom Pettyllä ja levy äänitettiin Bob Dylanin kotistudiossa. Näin myös nämä kaksi narisevaäänistä laulajaa saatiin mukaan levyä tekemään.
Levy-yhtiössä Handle with care -kappaletta pidettiin liian hyvänä singlen b-puoleksi, joten  Traveling Wilbureiksi itsensä nimenneet "veljekset" päättivät tehdä kokonaisen albumin yhdessä. Bob Dylanin kiertueen alkuun oli kymmenen päivää, joten äänitykset tehtiin yhdeksässä päivässä.

Rock-legendoilla oli yhdessä hauskaa ja se kuuluu levyllä. Laulut kirjoitettiin pääosin yhteistyönä ja soittimina käytettiin milloin mitäkin käsiinosuvaa. Levy äänitettiin pitkälti Eurythmics-tähti Dave Stewartin kotistudion keittiössä, joten levyllä soitetaan muun muassa Stewartin jääkaapin hyllyritilää.

Harrison-fanina suosikkini levyn kappaleista on energisen hyvätuulinen Heading for the light, jossa Beatles-kitaristi laulaa sooloa ja vastaa tietenkin sähkökitarasta.
Levyn tyylilliseen rikkauden merkittävä syy on yhtyeen jäsenten erilaiset taustat. Yhtyeen jäsenistä kaksi edustaa brittiläistä musiikkia loppujen ammentaessa amerikkalaisesta rockperinteestä. Yhtyeen jäsenien taustasta löytyy folkia (Dylan), maailman valloittanutta Liverpool-soundia (Harrison), 70-luvun mahtipoptuotantoja (Lynne) ja 70- ja 80-lukujen perinteisempää rockia (Petty). Pikantin lisämaun yhtyeen musiikkiin tuo Orbison, jonka tyyli on lähempänä 60-luvun amerikkalaista rock-iskelmää.

Orbisonin bravuuri Vol 1:llä on sydäntäsärkevä rakkauslaulu Not alone anymore, jonka Orbison sävelsi yhdessä Jeff Lynnen kanssa.
Vain pari kuukautta Traveling Wilburys Vol 1. -albumin julkaisun jälkeen 52-vuotias Orbison kuoli sydänkohtaukseen. Singlen End of the line musiikkivideossa Traveling Wilburys osoittaa kunnioitustaan Orbisonille, jonka soolon aikana näytetään keinutuolissa kiikkuvaa kitaraa ja pöydällä olevaa Orbisonin valokuvaa.
Orbisonin kuolema oli suuri kolaus yhtyeelle, joka julkaisi tämän jälkeen vain yhden albumin eikä esiintynyt kertaakaan livenä. Toisaalta olikin ehkä hyvä, että tämä hyvien ystävien vahingossa synnyttämä yhtye lopetti toimintansa ennenkuin sen toiminnasta olisi tullut liian vakavaa ja suunnitelmallista.

perjantai 9. joulukuuta 2011

38. Alice: Il sole nella pioggia (1989)

Alicea voisi kutsua Italian Kate Bushiksi, vaikka hänen lauluäänensä onkin muutamaa astetta matalampi. Tyylien monipuolisuus ja tietynlainen omituisuus yhdistää kuitenkin näitä laulajia. Vuonna 1989 ilmestynyt Il sole nella pioggia on kuin kooste tämän laulajan parhaita puolia. Vahvaa tulkintaa välillä korkealta ja kovaa ja välillä aika matalaltakin. 80-luvun lopulla Alice oli vielä varsin suosittu myös Suomessa, mutta tämän jälkeen hän on meillä jäänyt unohduksiin.

Alice teki lähtemättömän vaikutuksen moniin eurooppalaisiin vuonna 1984, jolloin hän edusti Euroviisuissa Italiaa yhdessä Franco Battiaton kanssa. Il treni di Tozeur oli juuri niin omituinen ja kiehtova kuin Alicen Battiaton kanssa yhteistyössä tehdyt muutkin levyt 1980-luvun alkupuolella. Mystisen kappaleen kruunasi La Scala -oopperasta palkatut taustalaulajat, joiden tehtävänä oli laulaa yksi lause laulun lopuksi. Suomelta irtosi odotetusti 12 pistettä, ja Euroviisujen yhtenä suurimmista vääryyksistä pidetäänkin sitä että tämän kappaleen sijaan kisan voitti Ruotsin Diggi loo diggi lei.

Alicen ja Franco Battiaton yhteistyö loppui muutama vuosi euroviisuesiintymisen jälkeen, mutta Alicen ura jatkui menestyksekkäästi vielä monta vuotta. Yhteistyö tuottaja-lauluntekijä Francesco Messinan kanssa tuotti muun muassa albumin Il sole nella pioggia, joka menestyi hyvin myös Italian ulkopuolella, levyä myytiin paljon myös Suomessa. Toinen tärkeä tekijä levyllä on säveltäjä Juri Camisasca, joka on säveltänyt muun muassa levyn singlehitin Visioni.


Camisascan kynästä on myös levyn aloittava nimikappale Il sole nella pioggia, joka osoittaa hienosti kuinka laaja Alicen ääniskaala on. Etenkin matalissa sävelissä italialaislaulajan tulkintavoima on parhaimmillaan. Sovitusratkaisuissa ei olla kovinkaan kaukana Kate Bushin samana vuonna ilmestyneestä Sensual world -albumista.


Il sole nella pioggia oli Alicen viimeinen kansainvälinen menestysalbumi, vaikka hän on jatkanut musiikin tekoa aina näihin päiviin asti. Itsellenikin Alicen 90- ja 2000-lukujen levyt on jäänyt tuntemattomaksi, ja pidän edelleen eniten hänen 1980-lukujen tuotannostaan. Yksi sen helmistä, kappale Le ragazze di Osaka löytyy tältä levyltä.


Alice on Italian monipuolisen musiikkielämän kauneimpia kukkasia. Pitääpä tutustua myös hänen uudenpaan tuotantoonsa.

torstai 8. joulukuuta 2011

37. Kate Bush: The Kick Inside (1978)

Kuuntele koko albumi Spotifyssa
Kate Bush valloitti yleisönsä heti ensimmäisellä albumillaan. The Kick Inside -levyllä Bush pääsi esittelemään heti laulajan-, lauluntekijän- ja pianistintaitojaan, ja omalaatuinen ääni sai heti ihmiset puolelleen. Suosion tärkeimpiä avaimia oli ykköshitti Wuthering heights, joka on yksi Bushin täydellisimmistä kappaleista. The Kick Inside edustaa Bushin laatutuotantoa, josta laulaja ei ole kertaakaan suostunut tinkimään nyt jo yli 30 vuotta kestäneen uransa aikana.

"Tuo kuullosti siltä, kuinka kimeä-ääninen prinsessa olisi vangittu linnantorniin, jossa hän yrittää kiljua itseään vapaaksi." Suunnilleen tähän tapaan kuvaili Pirkko Liinamaa kuulemaansa Levyraadissa, jossa Kate Bushin Wuthering Heights esitettiin ensimmäistä kertaa Suomessa. Tuo oli myös minun ensimmäinen kohtaamiseni laulajan kanssa. Itse innostuin Bushista kymmenisen vuotta myöhemmin vieraillessani ystäväni Johnin luona Englannissa. Johnin veli oli suuri Bush-fani ja hän näytti minulle laulajan musiikkivideoita ja levyjä. Tästä alkoi minun ihastukseni Bushiin, joka jatuu edelleen vaikka hänen viimeiset levynsä eivät minua ole vakuuttaneetkaan.

Hyvät suhteet ovat eduksi ja hyvistä suhteista oli hyötyä myös Kate Bushille hänen uransa alkuvaiheessa. Bushin tutun tuttu sattui olemaan Pink Floyd -yhtyeen David Gilmour joka sai kuultavakseen 16-vuotiaan laulajan demonauhan. Gilmour suositteli Bushia Pink Floydin levy-yhtiölle EMI:lle, joka pian teki sopimuksen nuoren laulajattaren kanssa. Ensimmäisen levyn tekoa lykättiin kuitenkin kaksi vuotta, minä aikana Bush jatkoi koulun käyntiään, sävelsi lisää lauluja ja opiskeli tanssia Lindsay Kempin ohjauksessa. Bushin ensilevy julkaistiin vihdoin vuonna 1978, jolloin laulaja oli "jo" 19 vuotias.

Bushin ensimmäisen albumin The Kick Inside tunnetuin kappale on eittämättä laulajan ensimmäinen ykköshitti Wuthering Heights. Kappaleen yksinkertaisessa musiikkivideossa hieno kappale yhdistyy tanssia opiskelleen Bushin vähäeleiseen koreografiaan. Sävellyksen lisäksi Wuthering Heightsissa minua viehättää sen tyylikäs sovitus. Kappale huipentuu loppuhäivytykseen jossa jouset, piano ja sähkökitara toistavat laulun teemaa niin vangitsevasti, ettei levyn toivoisi koskaan loppuvan.

Bushin ensilevyn voima on sen balladeissa, joissa hienot pianokuviot ja tarkoin harkitut melodiat pääsevät oikeuksiinsa. Levyn yksi monista kohokohdista on kappale The Man with the Child in his Eyes. Vaikka se julkaistiin singlenä vuonna 1978, oli se äänitetty jo vuonna 1975 laulajan ollessa vasta 16-vuotias. Nuoruuden kuulee Bushin laulusuorituksesta. Itse kappaleen hän oli säveltänyt jo 13 vuotiaana. 

Vauhdikkaammat kappaleet ovat Kate Bushin ensilevyllä selvästi vähemmistönä. Näistä paras on mielestäni uskonnollisia teemoja käsittelevä Them Heavy People.

The Kick Inside on laadukas levy alusta loppuun saakka ilman täytekappaleita, mikä on uskomaton suoritus näin nuorelta artistilta. Levyn menestyksen innoittamana Bush julkaisi jo samana vuonna toisen albuminsa Lionheart, joka ei laadussaan yltänyt ensilevyn täydellisyyteen.

Koskettavimmillaan Bush on kappaleissa, joissa ainoana säestyksenä on hänen itsensä soittama piano. Yksi parhaista The Kich Inside -levyn akustisista kappaleista on Feel it, jossa Bush esittelee samalla monivivahteiset tulkitsijan taitonsa niin laulajana kuin pianistinakin.

The Kick Inside oli upea alku Kate Bushin hienolle uralle joka jatkuu edelleen. Bushin viimeisin levy, 50 words of snow julkaistiin marraskuussa 2011.

torstai 1. joulukuuta 2011

36. Heart: Heart (1985)

Kuuntele koko albumi Spotifyssa.
Heartin 1985 julkaistu albumi palautti välillä pimennossa olleen pop/rock-yhtyeen takaisin parrasvaloihin. Menestyksen avain oli tyylinmuutos lähemmäs aikuisrockia, jota levyn suurimmat hitit varsin puhtaasti edustivat. Heartin melodinen rock sopi täydellisesti Suomessa aloittaneiden paikallisradioiden ohjelmistoon.

Kuten monelle muullekin suomalaiselle, myös minulle tuttavuus Heart-yhtyeen kanssa alkoi paikallisradiosta. Tampereen yliopiston ylioppilaskunnan vasta perustaman Radio 957:n aalloilta kuulin ensimmäistä kertaa niin These Dreamsin kuin Never -kappaleenkin. Kappaleet soivat ahkeraan myös Music Televisionin lähetyksissä

En kovin hyvin tunne yhtyeen historiaa. Heart perustettiin 1970-luvun alkupuoliskolla Yhdysvalloissa, ja sen musiikki yhdisti rockin ja folkin aineksia. 70-luvun menestyksen jälkeen suosio hiipui, kunnes uusi musiikkityyli ja uudet hitit palauttivat yhtyeen listoille 1980-luvun puolivälissä. Useasti kokoonpanoa vaihtaneen yhtyeen ainoat alkuperäisjäsenet ovat edelleen sisarukset Ann ja Nancy Wilson.


Yhtyeen musiikkivideot kertovat selkää kieltään Heartin ylitsepursuavan 80-lukuisesta tyylistä. Yhtye yritti pitää tiukasti kiinni hard-rock imagostaan pitkine heviletteineen ja liekki- ja savuefekteineen, vaikka musiikki oli jo lähempänä periamerikkalaista AOR:ää.

Ajanmukaisen imagon lisäksi uuden menestyksen avaimia oli yhteistyö oikeiden lauluntekijöiden kanssa. Omien sävellysten seassa Heartin levyiltä löytyi 80-luvun tunnetuimpien lauluntekijöiden hittejä. Levyn suurin hitti Never oli peräisin tunnetun lauluntekijä Holly Knightin kynästä.


Levyn kolmas suurhitti ja oma henkilökohtainen suosikkini on These Dreams, jonka tekijät puolestaan ovat Martin Paige ja Elton Johnin sanoittajana tunnettu Bernie Taupin. Kappale eroaa Heartin muusta tuotannosta siinä, että sen laulusolistina on poikkeuksellisesti kitaristi Nancy Wilson. Normaalisti Heartin soolo-osuuksista vastasi Ann-sisar.


Yhtyeen omat sävellykset noudattivat enemmän yhtyeen aikaisempaa hevimpää linjaa, ja olivat lähes kautta linjan vaatimattomampia kuin ammattilauluntekijöiden kirjoittamat hitit. Kahden tyylin vastakkainasettelu teki Heartin 80-luvun loppupuoliskon albumeista varsin epäyhtenäisiä kokonaisuuksia.

Ulkopuolisista lauluntekijöistä riippuvainen yhtye ei pystynyt pitämään suosiotaan yllä kovin pitkään. Vuonna 1985 julkaistua Heart-albumia seurasi muutama samaa turvallista MTV-rockia sisältävää levä, kunnes yhtye vaipui, ainakin täällä Suomessa tuntemattomiin. Edellä esitellyt kappaleet soivat kuitenkin aina silloin tällöin radiossa edustamssa yhtä kasarirockin tyylihaaraa.

maanantai 28. marraskuuta 2011

35. Frida: Djupa andetag (1996)

Sveitsiin kotiutuneen ja prinssin kanssa avioituneen Anni-Frid Prinzessin Reuss von Plauenin (omaa sukua Lyngstad) päätös julkaista uusi ruotsinkielinen albumi 12 vuotta edellisen englanninkielisen ja 21 vuotta edellisen ruotsinkielisen levyn jälkeen oli erittäin henkilökohtainen. Frida ei halunnut takaisin maailmanmenestyksen melskeisiin vaan laulaa ja tehdä levyllisen lauluja omalla äidinkielellään. Lämminhenkinen Djupa andetag toi takaisin pitkään kaivatun tummaäänisen laulajan ja joukon hänelle hyvin sopivia popkappaleita. 

Opiskeluvuosinani 1990-luvun puolivälin paikkeilla olin jo hyväksynyt ajatuksen, että Abba ei enää palaisi takaisin eikä yhtyeen naispuoliset jäsenet enää koskaan levyttäisi. Yllätys oli suuri kun sain tiedon, että edellisen kerran vuonna 1984 levyn tehnyt Anni-Frid Lyngstad oli palannut levytysstudioon. Vielä iloisemmin yllätyin kun kuulin, että levy olisi ruotsinkielinen. Fridan edelliset soololevyt olivat olleet kovin pinnallisia ja niissä pyrittiin kansainväliseen soundiin, joka samalla peitti alleen tumman laulajan kauniin äänen.

Odotusta lisäsi Ruotsin televisiossa (jota onneksi Vaasassa pystyin katsomaan) dokumentti, jossa Frida kertoi elämästään ja musiikistaan. Ohjelma antoi laulajasta hyvin maanläheisen ja harmoonisen kuvan. Dokumentti päättyi lauluun Älska mig alltid, joka aloittaa levyn.
Djupa Andetag -albumi syntyi yhteistyönä tuottaja-lauluntekijä Anders Glenmarkin kanssa, joka sävelsi ja sanoitti levyn laulut ja tuotti levyn. Glenmark tunnetaan parhaiten Eva Dahlgrenin levyjen tuottajana ja moni pelkäsikin, että hänen suuri roolinsa veisi pohjaa Fridan henkilökohtaiselta tulkinnalta. Näin ei kuitenkaan käynyt, vaan levy on hyvin laulajansa näköinen. Parhaiten levyn tyyliä ja tunnelmaa edustaa singlekappale Även en blomma.

Även en blomma -kappaleen musiikkivideo sisältää hejastuksia laulajan lapsuudesta. Norjalaissyntyisen Lyngstadin äiti kuoli nuorena, ja tytön kasvatti aikuiseksi hänen isoäitinsä.
Vähältä piti, ettei levystä tullut kahden vanhan yhtyetoverin kohtaamista. Kappaleeseen Alla mina bästa år Frida pyysi duettokaverikseen Agnetha Fältskogia, joka ei lopulta kuitenkaan ollut valmis yhteislevytykseen. Huono ei kuitenkaan ollut kakkosvalintakaan, Roxetten myötä maailmanmaineeseen noussut ruotsalaislaulaja Marie Fredriksson. Rytmikäs Alla mina bästa år on balladivoittoisen albumin huippukohta hienoine jousisovituksineen.
Levyn tekeminen oli Fridalle mieluinen kokemus, ja hän ehtikin jo suunnitella uuden levyn tekemistä. Aviomiehen ja tyttären kuoleman jälkeen ei hän enää kuitenkaan ollut valmis palaamaan studioon. Frida viettää eläkepäiviään Sveitsissä osallistuen ympäristöprojekteihin. Levyn kauneimman laulun Lugna vatten sanoja lainatakseni, hän elää elämäänsä "rauhallisissa vesissä".


lauantai 26. marraskuuta 2011

34: Anni-Frid Lyngstad: Frida (1971)

Kuuntele koko albumi Spotifyssa (kappaleet cd2/1-11)
Frida on Anni-Frid Lyngstadin ensimmäinen sooloalbumi, joka julkaistiin kaksi vuotta ennen Abban ensisingleä People need love. Lynstad ja tuottaja-poikaystävä Benny Andersson yhdistelivät albumilla taitavasti jazz ja schlager-tyylejä, ja Lyngstad pääsi jo tässä vaiheessa uraansa todistamaan kuinka taitava tulkitsija hän on. Vielä eivät kuitenkaan kuluttajat innostuneet tämän tumman laulajan äänestä, mutta ei kestänyt montaakaan vuotta kun Fridan tunsivat kaikki.

Suurena Abba-fanina minua tietysti kiinnostivat myös yhtyeen jäsenten soololevyt. Kesti kuitenkin kauan ennenkuin pääsin tutustumaan Agnetha Fältskogin ja Anni-Frid Lyngstadin ennen Abbaa tekemiin soololevyihin, siitä yksinkertaisesta syystä, että niitä ei juurikaan levykaupoista tai kirjastoista löytynyt. CD-ajan uudelleenjulkaisut muuttivat onneksi tilanteen. Alunperin löysin Fridan ensimmäisen soololevyn vinyylinä äänilevymessuilta, mutta paremmin tutustuin levyyn vasta kun hänen Abbaa edeltävä soolotuotantonsa julkaistiin cd-kokoelmalla Frida 1967-1972.

Anni-Frid Lyngstadin sooloura ei alkanut yhtä vauhdikkaasti kuin viisi vuotta nuoremman Agnethan, jonka kappaleet nousivat hittilistojen kärkisijoille heti alusta alkaen. Kykykilpailusta pinnalle ponnahtanut Lyngstad julkaisi soolosinglejä tasaiseen tahtiin vuodesta 1967 alkaen, mutta suuri menestys sai odottaa itseään. Hänen ensimmäinen sooloalbuminsa Frida sai kehuja kriitikoilta, mutta menestyslevyä ei siitäkään tullut. Kenties Lyngstadin hienostunut laulutyyli ja jazzahtavat kappaleet eivät kiinnostaneet suurta yleisöä.
Levyn aloittavassa Tre kvart från nu -kappaleessa kuvataan miehen paluuta perheensä pariin salaisen rakastettunsa luota. Laulussa Lyngstad esittää "toista naista", joka kuvailee päivän tapahtumia samaan tapaan kuin Abban The day before you came -kappaleessa.

Fridan jazzahtavampaa puolta edustaa kansanlauluun perustuva Sen dess har jag inte sett 'en.
Jos levyn avausraidassa päähenkilö on perheellisen miehen toinen nainen, antaa Benny Anderssonin ja Björn Ulvaeuksen kappale Lycka täysin päinvastaisen kuvan perheidyllistä. Kappaleessa ylistetään yhteisiä hetkiä perheen ja lapsien kanssa.
Frida on intiimi ja helposti lähestyttävä albumi laulajalta, josta pian tuli yksi maailman tunnetuimmista laulajista. Poikaystävä Benny Anderssonin tuottama levy menestyi kehnonlaisesti, mutta uudet ajat puhalsivat jo oven takana. Pian albumin julkaisun jälkeen Anni-Frid Lyngstad julkaisi singlen Min egen stad, jolla tulevan ABBA-menestyksen resepti oli jo koossa. Laulun takaa löytyy lauluntekijäkaksikko Benny Andersson & Björn Ulvaeus, joista Andersson soittaa pianoa. Ulvaeus laulaa taustoja vaimonsa Agnetha Fältskogin kanssa, ja tuttu Abban laulusoundi on helposti tunnistettavissa. Tämä resepti tepsi, ja Min egen stad -kappaleesta tuli Fridan ensimmäinen sooloykköshitti Ruotsissa. Kappale lisättiin saman tien Frida-albumin uusiin painoksiin.
Kuten Agnethan, myös Fridan sooloura surkastui olemattomiin Abban vaatiessa jäsentensä kaiken ajan ja energian. Ennen yhtyeen hajoamista Lyngstad julkaisi vain kaksi sooloalbumia vuosina 1975 ja 1982.

33. Johann Sebastian Bach: Weichnachtsoratorium (1734)

English Baroque Soloists & Monteverdi Choir, johtaa John Eliot Gardiner

Adventin kunniaksi käsittelen Johann Sebastian Bachin Jouluoratoriota. Oratorio koostuu kuudesta kantaatista, jotka oli tarkoitus esittää joulupäivinä, uudenvuoden päivinäiä, loppiaisena ja vuoden ensimmäisenä sunnuntaina, yksi kantaatti kunakin. Nykyään oratoriota esitetään usein kahtena päivänä (kolme kantaattia per päivä) tai yhtenä, lähes kolmetuntisena konserttina. Bachin jouluoratorio ei ole ehkä yhtä tunnettu kuin hänen Johannes- ja Matteus-passionsa, mutta se kuuluu silti monien joulunalusohjelmaan. Toisin kuin Jeesuksen kärsimyksestä kertovat passiot, oratoriossa jouluevankeliumi on puettu iloiseen, joskus jopa riehakkaaseen musiikkiin.

Johann Sebastian Bachin Jouluoratorio tuli minulle tutuksi Harjun Nuorten Kuorossa, johon kuuluin vuosina 1986-1997. Kuoron ohjelmiston kulmakiviä olivat, ja ovat kai vieläkin, klassisen kuoromusiikin suurteokset. Kuorossa viettämieni vuosien aikana ehdin laulaa Bachin Johannes-Passiota toistakymmentä kertaa. Se on hieno teos, mutta pidän kuitenkin enemmän Jouluoratorista, jota ehdin laulaa kuoron riveissä muutaman kerran. Kuoronjohtajamme Heikki Liimola, yksi Suomen merkittävimmistä kuorokapellimestareista, tutustutti harjoitusten yhteydessä meidät John Eliot Gardinerin, Monteverdi-kuoron ja English Baroque Soloists -orkesterin tekemään Jouluoratorion levytykseen.

Passioiden tapaan Jouluoratorion keskeinen henkilö on kertoja (tenori), joka laulaa raamatun jouluevankeliumin tekstiä Luukkaan ja Matteuksen evankeliumeista. Kuoro-osuudet ja laulusolistien aariat pysäyttävät kertomuksen, ja tuovat joulun tapahtumiin eri näkökulmia.

Oratorio alkaa riehakkaasti kuoro-osuudella Jauchzet frohlocket, joka kehottaa ihmisiä riemuitsemaan joulun ihmeestä.


Myös solistien aariat ovat täynnä iloa ja energiaa. Jouluoratorion yksi hienoimmista kohdista on ensimmäisen kantaatin bassoaaria Grosser Herr und starker König. Yksi hauskimmista jouluoratorioon liittyvistä muistoistani koskee automatkaa kotiin Jouluoratorion esityksestä. Konsertista innostuneena me kaikki neljä autoon pakkautunutta kuorolaista hoilasimme yhdessä tuota mieliä kohottavaa bassoaariaa. Yksi matkustajista oli monivuotinen luokka- ja kuorokaverini Topi Lehtipuu, josta sittemmin on tullut yksi kansainvälisesti tunnetuimmista oopperalaulajistamme.

Bassoaariaa säestää hienosti pirtsakka trumpetti, joka on yksi Bachin Jouluoratorion tavaramerkeistä.


Bachin kantaatit ja passiot tunnetaan mahtipontisista koraaleistaan. Kolmannen kantaatin loppukoraali Seid froh, dieweil on Jouluoratorion vaikuttavimpia hetkiä.

Koraali alkaa videon kohdasta 0:26.

Yksi oratorion suosikkikuoro-osioistani käynnistää viidennen kantaatin. Ehre sei dir, Gott, gesungen -kuorossa lauletaan enkelten lailla Jumalalle kunniaa korkeuksissa. Vauhdikas kappale on haastava orkesterille mutta myös kuorolle, tätä kuoro-osuutta harjoiteltiin paljon.



Jouluoratorion päättävä kuoroosuus Nun seid ihr wohl gerochen kuulostaa tutulta, ja se onkin sama sävelmä kuin pääsiäisvirressä "Oi rakkain Jeesukseni, piinattu verinen". Vauhdikkaalla sovituksella (etenkin trumpetti loistaa) tämä loppukoraali saadaan kuullostamaan surullisen pääsiäisvirren sijaan riemukkaalta kiitoslaululta. Tähän pystyy vain Johann Sebastian Bach.

Koraali alkaa videon kohdasta 07:03

Blogin esittelyvideoissa Jouluoratoriota esittävät Monteverdi-kuoro ja English Baroque Soloists -orkesteri John Eliot Gardinerin johdolla, kuten levylläkin. Tämä levy kuuluu joka vuosi joulunosotusajan soittolistalleni.

perjantai 25. marraskuuta 2011

32. The Beatles: Magical Mystery Tour (1967)


Magical Mystery Tour –albumi kokoaa yhteen The Beatlesin vuonna 1967 julkaisemat singlekappaleet ja samannimisessä elokuvassa esitetyt laulut. Kokoelma on yksi yhtyeen vahvimmista, ja se on oikeutetusti otettu mukaan, kun The Beatlesin albumeita siirrettiin cd-aikaan, vaikka alun perin levy julkaistiin tässä muodossa vain Yhdysvalloissa. Levy sisältää brittiyhtyeen laadukkaimman single-julkaisun Penny Lane/Strawberry fields forever sekä myöhemmin saman vuonna julkaistut ykköshitit Hello Goodbye ja All you need is love. Vaikka Magical Mystery Tour –elokuva oli likilaskuiseksi jäänyt pannukakku, sisältää sekin monta The Beatles –klassikkoa.

Beatles-fanin urani aloitin lukemalla Philip Normanin laadukaan Beatles-historiikin Shout! Beatlesien tarina. Vaikka se ei faktoiltaan ja tarkkuudeltaan yllä myöhemmin julkaistujen Mark Lewisohnin ja Bruce Spizerin kirjoittamien ”Beatles-raamattujen” tasolle, on se hyvin kirjoitettu ja riittävän perusteellinen kirja maailman suosituimman yhtyeen urasta. Kirjan luettuani suuntasin kohti Tampereen kirjaston musiikkikirjastoa ja Epe’s Music Shopia, missä täydensin Beatlessivistystäni ja –kokoelmaani yhtyeen levyjulkaisuilla. Magical Mystery Touria ei kirjastosta löytynyt, joten se oli ensimmäisiä Beatles-albumeja, jotka osti hyllyyni aluksi vinyylinä ja sittemmin cd:nä.

Vuonna 1967 The Beatles nousi jälleen kaikkien puheenaiheeksi Sgt. Pepper’s Lonely Heart’s Club Band –albumillaan. Arvostelut ja myyntiluvut olivat huippuluokkaa ja tuntui siltä, kuin yhtye ei kerta kaikkiaan voisi tehdä mitään huonoa. Tämä väite todistettiin kuitenkin samana vuonna vääräksi, kun yhtye kirjoitti, tuotti ja ohjasi itse kolmannen elokuvansa Magical Mystery Tour. Lähinnä kotivideokokoelmalta näyttävä televisiofilmi pudotti yhtyeen maan pinnalle. Sitä vihasivat kaikki, niin kriitikot kuin yleisökin. 

Ainoa hyvä asia elokuvassa oli sen musiikki, joka julkaistiin Britanniassa kahden EP-levyn pakkauksessa värikkään kannen ja monisivuisen sarjakuvan kera. Yhdysvalloissa Magical Mystery Tour julkaistiin LP:nä jamukaan lisättiin yhtyeen samana vuonna ilmestyneet singleraidat. Levyt nousivat totuttuun tapaan listojen kärkeen kaikkialla maailmassa. Kun Beatles-tuotanto siirrettiin cd-muotoon 20 vuotta myöhemmin, julkaistiin Magical Mystery Tourista poikkeuksellisesti cd:nä levyn albumiversio singleraitoineen.
John Lennonin säveltämä Strawberry fields forever julkaistiin singlenä vuoden 1967 alussa. Vaikka edellisvuonna julkaistulla Revolver-albumilla oli merkkejä uudesta kokeellisemmasta musiikkityylistä, oli harppaus suunnaton. Revolverin sähköisestä rock-tunnelmasta siirryttiin nyt sekä tekstin että sovituksen osalta lähinnä ajatuksenvirtaa muistuttavaan sanojen ja äänien kollaasiin. Yhtye, joka oli lopettanut livekonserteissa esiintymisen, teki kappaleeseen myös värikkään ja mystisen promofilmin, jota käytettiin live-esiintymisten sijaan televisio-ohjelmissa.

Samanlainen musiikkivideo tehtiin myös singlen toisella puolella olleeseen Paul McCartneyn sävellykseen Penny Lane, joka on viehko kuvaus elämästä liverpoolilaiskadun varrella. Kaksi hittiä sisältänyttä Penny Lane/Strawberry Fields forever pidetään yleisesti kaikkien aikojen hienoimpana rock-singlenä.
Vuosi 1967 oli erittäin vilkas The Beatles yhtyeelle. Sgt Pepper- albumin ja Magical Mystery Tour –elokuvan lisäksi yhtye esiintyi maailman ensimmäisessä eri puolilla maapalloa kuvatussa ja satelliitin välityksellä lähetetyssä Our World –ohjelmassa. Britannian osuus ohjelmassa oli suora kuvayhteys Abbey Roadin studioille, jossa The Beatles äänitti kappalettaan All you need is love. Yhtyeen uudelle singlelle oli vaikea kuvitella parempaa mainoskampanjaa.
Magical Mystery Tour -elokuvan kuudesta laulusta legendaarisin on Lewis Carrolin Liisa-kirjoista innoituksensa saanut I am the Walrus, joka sekä sanoitukseltaan että äänimaailmaltaan jatkaa suoraan siitä, mihin Strawberry Fields oli jäänyt. Laulun tekstistä on turha yrittää löytää mitään järkeä, mutta kappaleen äänitys sisältää lukematon määrä hienoja, hassuja ja outoja yksityiskohtia aina hihkuvasta taustakuorosta otteisiin King Lear –radiokuunnelmasta. Kappaleen esitys on myös epäonnisen Magical Mystery Tour –elokuvan onnistunein ja viihdyttävin kohta.
Magical Mystery Tour albumi ja elokuva osoittavat, että The Beatles ei ollut mestari kaikessa mihin se ryhtyi, tätä vahvisti myöhemmin yhtyeen sekoilu Apple-yhtiönsä kanssa. Mutta sen minkä yhtye osasi, sen se teki paremmin kuin kukaan muu.

p.s. Mutta oliko Magical Mystery Tour niin huono elokuva kuin yleisesti väitetään? Tarkista itse tämän linkin kautta.

tiistai 22. marraskuuta 2011

31. The Beach Boys: Pet Sounds (1966)

Kuuntele koko albumi Spotifyssa
The Beach Boys –yhtyeen johtaja Brian Wilson sai oivalluksen kuultuaan The Beatlesin Rubber Soul –levyn. Hänkin tekisi albumin, joka olisi laatua ensimmäisestä nuotista viimeiseen sointuun ilman täytekappaleita. Tästä visiosta syntyi Pet Sounds, yhtyeen arvostetuin levy, jossa ei enää laulettu surffaamisesta, moottoripyöristä ja kesästä, vaan aiheina olivat elämän totuudet, aikuistuminen, katoava rakkaus ja aihe jonka Brian tunsi hyvin: luomisen tuska jota muut eivät ymmärrä. Eivätkä kaikki Pet Soundsia ymmärtäneetkään. Kotimaassaan Yhdysvalloissa levy menestyi vain keskinkertaisesti. Tästä alkoi sekä Beach Boysin että Brian Wilsonin alamäki.

Minulla ei ole tarkkaa mielikuvaa siitä, milloin olen ensimmäistä kertaa tutustunut The Beach Boysin Pet Sounds –albumiin. Monien muiden lailla pidin yhtyettä falsetissa stemmoja laulavana poikajoukkona, joiden laulujen aiheet koostuivat rantaelämästä, tytöistä ja kaikesta muusta aurinkoisesta. Todennäköisesti löysin levyn Beatles-harrastukseni kautta. Brittiyhtyeen jäsenet arvostivat ja ottivat paljon vaikutteita The Beach Boysin tuotannosta, ja etenkin Paul McCartney piti Pet Soundsia ei vähempää kuin kaikkien aikojen parhaana rock-albumina.

The Beach Boys oli yhden miehen johtama bändi. Brian Wilson teki yhtyeen musiikkia koskevat päätökset, sävelsi ja sovitti kappaleet ja tuotti albumit. Yhtyeen muut jäsenet olivat kuin soittimia, joita nuori nero soitti kuin taitava kapellimestari orkesteriaan. Pet Soundsin äänityksen aikoihin Wilson oli jättäytynyt pois yhtyeen livekiertueilta, ja hän käytti aikansa länsirannikon parhaiden studiomuusikoiden kanssa hioen levyjen instrumentaalitaustat viimeisintäkin yksityiskohtaa myöten. Kun Dennis ja Carl Wilson, Al Jardine, Mike Love ja Bruce Johnston palasivat, he lauloivat vokaaliosuudet valmiisiin instrumentaalipohjiin Brian Wilsonin johdolla.

Jos The Beatles otti vaikutteita The Beach Boysilta, seurasi Brian Wilson myös tarkkaan liverpoolilaisyhtyeen tekemisiä. Vuonna 1965 julkaistu Beatlesin Rubber Soul löi Wilsonin ällikällä. Albumin ei tarvinnutkaan olla hittisinglen ympärille kyhätty epämääräinen kokoelma enemmän tai vähemmän ylimääräisiä täyteraitoja. Wilson innostui, The Beach Boys tekisi levyn, joka Rubber Soulin tapaan olisi koottu ensiluokkaisista sävellyksistä ja hienosta tuotannosta.

Ja hieno tämä albumi onkin. Levyn aloitusraita Wouldn’t it be nice ei ole kovin kaukana vanhasta rantapoikien soundista, ja sanoituskin on lähellä perinteistä rakkauslaulua. Kappaleen sovitus irtonaisesta kitaraintrosta täydelliseen yhteislauluun tekee kappaleesta kuitenkin viittä vaille mestariteoksen. Samaa tyyliä edustaa toinen suosikkikappaleeni I'm waiting for the day, joka osoittaa muun muassa sen, että oboe ja huilu sopivat rock-kappaleeseen siinä missä kitarakin.

Levyn tunnetuin kappale God only knows herätti ristiriitoja 60-luvun Amerikassa, jossa samana vuonna järjestettiin suuria Beatles-levyrovioita John Lennonin mentyä vertailemaan ääneen yhtyeensä ja Jeesuksen suosiota. Kysymys ”saako sanaa Jumala käyttää pop-kappaleessa” kalpeni kuitenkin kappaleen taivaallisen laulusovituksen rinnalla.

Hienoista kappaleista huolimatta, tai ehkä sen vuoksi, The Pet Sounds oli monille liikaa. Etenkin levy-yhtiö Capitol piti uutta musiikkia liian vaikeana yhtyeeltä, joka vain paria vuotta aiemmin oli julkaissut menestyslevyt California Girls ja Surfin USA. Levyn markkinointi jätettiin puolitiehen, ja varsinainen kuolinisku levy-yhtiön taholta oli julkaista Greatest hits –kokoelma kilpailemaan samoista ostajista. Capitol, joka ilolla markkinoi The Beatles –yhtyeen uudenlaisia ja uraauurtavia albumeita ei sallinut samaa kehitystä omalta yhtyeeltään.

Levyn menestys jäi kotimaassaan Yhdysvalloissa korkeintaan kohtalaiseksi. Sen sijaan The Beatlesin kotimaassa Britanniassa Pet Sounds otettiin avosylin vastaan ja The Beach Boys ohitti suosituimman yhtyeen äänestyksessä liverpoolilaispojat, jotka olivat voittaneet suvereenisti äänestyksen kolme vuotta peräkkäin.

Brian Wilsonille Pet Soundsin huono menestys Yhdysvalloissa oli kova isku. Hän ei kuitenkaan heittänyt hanskoja tiskiin, vaan alkoi rakentaa albumia, josta piti tulla Pet Soundiakin parempi, se kaikkien aikojen hienoin rock-levy. SMiLE-projektia ei kuitenkaan koskaan saatu valmiiksi. Tämä takaisku heilautti Wilsonin jo horjuneen mielenterveyden raiteiltaan, mistä toipumiseen meni nuorelta muusikolta yli 20 vuotta. Nuoren ja väärinymmärretyn neron elämä ei ole helppoa, ja tästä kertoo myös Pet Soundsilta löytynyt kappale I just wasn't made for these times.

keskiviikko 16. marraskuuta 2011

30. Jason Donovan: Between the lines (1990)

Jason Donovan oli yksi 1980-1990-lukujen vaihteessa hittejä tehtailleen Stock-Aitken-Waterman tuotantotiimin tuotteista Kylie Minoguen tapaan. Molemmat laulajat nousivat pinnalle australialaisesta Neighbours televisiosarjasta. Donovan teki kaksi levyä SAW-hittitehtaalle, mutta palasi sen jälkeen takaisin näyttelijänuralle. Donovanin kaksi levyä eivät sisällä elämää suurempia musiikkiteoksia, mutta kolme erinomaista pophittiä kuitenkin.

Kuten jo aiemmassa Donna Summer -kirjoituksessani kerroin, en aluksi pitänyt tuottajatrio Mike Stockin, Matt Aitkenin & Peter Watermanin tuotoksista. Pidin niitä halpoina pintahitteinä verrattuna esimerkiksi Beatlesin tai Queenin musiikkiin, jota kuuntelin paljon 80-luvun loppupuolella. Jason Donovanin kappaleet kuitenkin soivat jatkuvasti Music Televisionilla, jota lukiossa välitunneilla katselimme.

Pitkällisen aivopesun jälkeen minulle kävi samoin kuin Donna Summerin SAW-hittien kanssa, Jason Donovanin hitit jäivät soimaan päähäni ja alkoivat yllättäen kuullostaa hyvältä. Pian huomasin itseni levykauppa Epe'sin kassalla ostamassa Jason Donovanin levyä Between the lines. Kaupan myyjä huomautti vähemmän tahdikkaasti minun olevan "ensimmäinen mies" joka levyn osti.
Levyn aloittava When you come back to me edustaa vuosikymmenen vaihteen SAW-tuotteita hyvässä ja pahassa. Tietokonetta on käytetty soundien luomisessa ahkerasti, ja ainoa soitinääni levyllä lienee sooloa soittava akustinen kitara. Videolla on kaikki tuon ajan musiikkivideon kliseet, pitkässä takissa heiluva laulaja kävelee laulaen edestakaisin, huonekalut pyörivät ja tavarat lentävät halpojen kuvaefektien ristitulessa.

Toisaalta melodia on tarttuva ja sisältää riittävästi koukkuja ja pieniä yllätyksiä, jotta melodisesta poppiksesta pitävä kuuntelija viihtyy. Kovin montaa peräkkäistä kuuntelukertaa laulu ei kestä, mutta jos kuunteluiden välillä on riittävän paljon aikaa (hyvä frekvenssi on 2-3 kertaa vuodessa), ei lauluun ehdi kyllästymään. Jason Donovan ei laulajana ole virtuoosi, mutta hänen äänessään on miellyttävän neutraali sointi ja laulu on jotakuinkin puhdasta aikana, jolloin Auto tunea ei vielä oltu keksitty. 
Levyn toinen singlejulkaisu Hang on to your love sai minut viimein myöntämään itselleni, että pidin tästä musiikista, niin epäkatu-uskottavaa kuin se olikin. Kappale on jokseenkin täydellinen poppisbiisi, jonka ensimmäisestä kuuntelukerrasta jää mieleen ajatus, että tämä on kuultava uudelleen. Kappaleen musiikkivideo on myös hieman vähemmän äitelä.

Yllätyksen koin kuitenkin vasta ostettuani leyvn. Levyn kolmas kappale Another night oli vielä edeltäjäänsäkin parempi. Stock-Aitken-Waterman trio todisti tällä kappaleella, että he eivät tyytyneet pelkästään toistamaan vanhoja ideoitaan, vaan löysivät aina välillä myös jotain uusia ideoita melodioihinsa. Tämä koskee erityisesti kappaleen perussäkeistöä, jonka sointukulut kiehtovat minua edelleen. Kertosäe on sitten tavanomaisempi, mutta silti toimiva.


Valitettavasti useimmat Stock-Aitken-Waterman-tuottoiset albumit noudattivat vanhan ajan businesslogiikkaa: riittää että albumilta löytyvät hittikappaleet, muulla sisällöllä ei ole niin väliä. Tämä pätee myös Between the lines -albumiin. Kolmen hitin rinnalle tuotetut kappaleet ovat selvästi nopeasti kyhättyjä täytekappaleita. Levyn voi kuunnella läpi irvistämättä, mutta ei tee mieli palata kuin noihin kolmeen edellämainittuun kappaleeseen.

Tämän levyn jälkeen Donovan palasi teatterin lavalle esiintyen pääroolissa Andrew Lloyd Webberin musikaalissa Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat. Donovan sai musikaalin tunnusmelodiasta itselleen vielä ykköshitin, mutta sen jälkeen musiikkiura hiipui ja Donovan keskittyi näyttelijänuraansa.

Nyt Jason Donovanin musiikista on helpompi pitää kuin reilut 20 vuotta sitten, jolloin Donovanin levy piti piillottaa levyhyllyn pimeimpään nurkkaan. Hänen parhaiden hittiensä teho ei ole kadonnut.

Hänen musiikkiaan ei kannata kuunnella, jos kaipaa monitasoista musiikkielämystä. Mutta aina kun mp3-soittimeni arpoo "paremman" musiikin seasta yhden hänen SAW-hiteistään, tulen hyvälle tuulelle.

29. Queen: A day at the races (1976)

Kuuntele koko albumi Spotifysta
A day at the races on ensimmäinen kuulemani Queen-albumi, ja se on pysynyt suosikkinani aina siitä saakka. Levy ei sisällä aivan yhtä mahtipohtisia ja kunnianhimoisia lauluteoksia kuin edeltäjänsä A night at the opera (joka sisälsi kappaleen Bohemian Rhapsody, hiteistä suurimman), mutta edeltäjänsä lailla se on yksi harvoista Queen-levyistä, jotka ovat tasaisen laadukkaita ensimmäisestä kappaleesta viimeiseen.

Ensimmäisen kohtaamiseni Queenin A day at the races -albumin kanssa sijoitan Tampereen upouuteen Kaupunginkirjastoon (siihen metson muotoiseen) 1980-luvun loppupuoliskolle. Kouluni naapuriin rakennetusta kirjastosta tuli suosikkipaikkani. Yläasteen aikana kävin kirjastossa, ja etenkin sen musiikkiosastolla, valehtelematta vähintään kerran jokaisena koulupäivänä. Musiikkiosastolla oli mukavan henkilökunnan lisäksi kolme äänieristettyä musiikinkuunteluhuonetta, joissa sai rauhassa istua mukavilla tuoleilla ja kuunnella laadukkaista Genelecin kaiuttimista haluamaansa musiikkia. Eräänä päivänä laskin tässä kuunteluhuoneessa levysoittimen neulan kirjaston hyllystä löytyneelle Queen-levylle.

Brittiläisestä Queen-yhtyeestä tuli suurnimi viimeistään Bohemian Rhapsody -kappaleen jälkeen, joka löytyi yhtyeen vuonna 1975 julkaistulta albumilta A night at the opera. Odotukset vuotta myöhemmin julkaistua albumia kohtaan olivatkin kovat, eikä niitä vähentänyt se että levyn nimi kopioitiin jälleen Marx-veljesten elokuvasta A day at the races ja että kannessa oli uusi versio samaisesta kuningattaren sinetistä mikä koristi myös edellisen levyn kantta.

Tästä levystä tuli menestys samoin eväin kuin edeltäjästäänkin. A day at the races sisältää tasaisen laadukkaan, mutta silti tyyleiltään vaihtelevan kokonaisuuden lauluja, jotka saavat kuuntelijan välillä rokkaamaan, tanssimaan valssia, nauramaan ja itkemään.

Jos Opera-levyn tunnetuin raita keimaili oopperan kanssa, on tämän albumin suurin hitti kädenojennus gospelin suuntaan niin tyyliltään kuin tekstiltäänkin.
Somebody to love on gospel-muotoon puettu yksinäisen ihmisen rukous rakkauden puolesta. Laulun säveltänyt Freddie Mercury antaa vokaaliosuuksissa kaikkensa ja kuullostaa rakkauden nälässään aidolta ja vilpittömältä. Monitasoiset laulustemmat ovat jatkoa Bohemian Rhapsodin huikeille kuoro-osuuksille.

Mercury on tämän Queen-albumin näkyvin lauluntekijä, vaikka albumilta löytyy jälleen kaikkien yhtyeen jäsenten sävellyksiä. Levyllä teatraalisin kappale on Mercuryn säveltämä ja lähes kokonaan yksin esittämä You take my breath away. Muuta yhtyettä edustaa ainoastaan Brian Mayn kitarasoolo kappaleen loppupuolella. Mercury soittaa pianoa ja laulaa kappaleen kaikki stemmat, vaikka yleensä yhtyeen lauluharmoniat syntyvät Mercuryn, Mayn ja rumpali Roger Taylorin yhteistyönä.
Mercury vastaa myös levyn huumoripalasta. Kappaleessa Millionaire waltz esiin nousee myös John Deaconin vikkelät bassokuviot ja Brian Mayn sähkökitaravalssi.
Queenin A day at the races -albumilta on vaikea poimia 3-4 esimerkkiraitaa, sillä sen kaikki kappaleet olisivat ansainneet erityisesittelyn. Nyt esittelemättä jäävät muun muassa levyn aloittava perusrokki Tie your mother down, John Deaconin positiivinen pop-pala You and I, Roger Taylorin Blues-valssi Drowse ja Mayn tiukka intiaanitarina White man. Suosittelenkin albumia kaikille, joita Queenin musiikki kiinnostaa, mutta jotka eivät ole päässeet Greatest hits -kokoelmia pidemmälle.

Tämänkertaisen blogikirjoitukseni päätän levyn päätösraitaan, osittain japaniksi laulettuun Teo Torriatteen. Brian Mayn sävellys julkaistiin uudelleen Japanin keväisen maanjäristyksen ja hyökyaallon uhrien auttamiseksi tehdyllä levyllä. Freddie Mercury on Mayn herkän kappaleen täydellinen tulkki.

maanantai 14. marraskuuta 2011

28. Nana Mouskouri: Une voix qui vient du coeur (1972)

Kuuntele koko albumi Spotifyssa
Nyt saavumme blogissa levyyn, jota ehkä olen kuunnellut enemmän kuin mitään muuta. Se oli lapsuuteni soundtrack, levy jota kuuntelin nukkumaan mennessä kaksivuotiaasta kouluikään. Vieläkin tallessa oleva vinyylilevyn kotelo on riekaleina, koska levyn kuuntelu sängyssä ei riittänyt, minun piti nukkua levynkannen kanssa. Silmälasipäinen Nana Mouskouri oli ensimmäinen rakkauteni. Eikä rakkaus ole kadonnut, albumi Une voix qui vient du coeur on edelleen mielestäni hieno albumi, jota kuuntelen yhä. En tosin enää nuku cd-kotelon kanssa.

Nana Mouskouri tuli elämääni välillisesti kahden isäni sisaren kautta, jotka olivat Lontoossa käyneet Mouskourin konsertissa ja ostaneet kotiinsa laulajan englanninkielisen levyn Turn on the sun (tämän hienon levyn esittelen todennäköisesti myöhemmin). Sisartensa innoittamana Pariisissa työmatkalla ollut isäni osti meille tämän silmälasipäisen laulajattaren ranskankielisen albumin. Siitä hetkestä kun isä toi levyn kotiin olimme erottamattomat, Nana ja minä. 30 vuotta myöhemmin, kun sain graduni valmiiksi, palkitsin itseni ostamalla Nana Mouskourin 34 albumin cd-boksin. Mukana oli myös tämä lapsuuteni ykköslevy.

Kreikkalaissyntyinen Nana Mouskouri on maailman eniten levyjä myyneitä laulajia. Jos levymyyntiä pidetään mittarina, niin joidenkin arvioiden mukaan hän olisi maailman menestynein naislaulaja. Suuret myyntiluvut (400 miljoonaa myytyä levyä) perustuvat osittain siihen, että hän levytti säännöllisesti englanniksi, saksaksi, kreikaksi ja ranskaksi. Tämän lisäksi hän teki levytyksiä myös muilla kielillä.
Vuonna 1972 ilmestyneen Une voix qui vient du coeur (ääni joka tulee sydämestä) aloittaa kappale Soleil soleil, jonka ensitahdit tuovat heti lapsuuden mieleeni. Kappale teki hitiksi alun perin skottilaisyhtye Middle of the road. Myös Mouskouri levytti kappaleen englanniksi.
Suomessa Nana Mouskouri tunnetaan parhaiten vuoden 1985 hitistään Only love. Itse pidän kuitenkin eniten hänen 60-luvun ja 70-luvun alun levytyksistään, joissa laulajan tulkinta ei vielä ole saanut niitä diivamaisia maneereja, joista Mouskouri 80-luvulla tuli tunnetuksi.

Kreikkaislaulaja on aina vaalinut juuriaan ja tuonut kreikkalaista musiikkityyliä esille levytyksissään. Erityisen selkeästi kreikkalaisuus on läsnä näissä hänen ensimmäisten vuosikymmenien levyissään, joissa taustalla soitti hänen aviomiehensä yhtye Les Atheniens. Mouskouri lauloi myös ranskaksi ja englanniksi kymmeniä alunperin kreikkalaisia sävellyksiä, kuten tältä levyltä löytyvä kappale Je finirai par l'oublier.
Yksi Nanan suuren menestyksen syitä lienee se, että hän ylitti laulullaan kultuurirajat paremmin kuin kukaan muu tietämäni laulaja. Vaikka kreikkalainen musiikki oli hänen ominta aluettaan, hän lauloi ongelmitta ranskalaista chansonia, saksalaista schlageria ja englantilaisia iskelmiä kuullostamatta ulkomaalaiselta.

Ranskankielisillä levyillään hän versioi usein ranskalaisia kansanlauluja ja myöhemmin hän teki kokonaisen albumillisen historiallisia englantilaisia kansanlauluja. Aux marches du palais edustaa tällä albumilla ranskalaista kansanlauluperinnettä.
Kreikkalaisten ja ranskalaisten laulujen hiteistä. Mouskourin levyiltä löytyy muun muassa lukuisia hienoja ranskankielisiä versioita Bob Dylanin kappaleista.

Une voix...-levyn koskettavin kappale on levyn päättävä Le temps qu'il nous reste (=aika joka meillä on jäljellä), joka on käännösversio vuoden 1972 Italian euroviisusta I giorni dell'arcobaleno. Siinä missä alkuperäisversio on perinteinen rakkauslaulu, keikkuu kappaleen ranskalainen käännös liikuttavan ja pateettisen välimaastossa. Kappaleessa pariskunta pohtii tulevaisuuttaan ja sitä, mikä odottaa häntä joka puolisonsa kuollessa jää yksin. Dramaattista tekstiä korostaa mahtipontinen sovitus, joka sai minut itkemään jo 4-vuotiaana, vaikka en laulun tekstistä mitään ymmärtänytkään.
"Jonain päivänä toinen meistä lähtee ensimmäisenä,
ja sulkee silmänsä viimeiseen hymyyn.
Toinen, joka näin menettää puolet elämästään,
jää yksin yöhön loppuelämäkseen.
Hänen sydämensä lyö, mutta miksi ja kenelle?

Kuulen jalkojesi askeleet ja ovi avautuu,
minun sydämeni lyö voimakkaammin,
ja pääsen luoksesi jälleen.
Kun kätemme jälleen kohtaavat unohdan kaiken muun
ja aikakin pysähtyy.

Jonain päivänä toinen meistä on on liian väsynyt elämään,
ja lähtee pois ensimmäisenä ja lähes onnellisena.
Toinen jää odottamaan, että löytää rakkaansa uudelleen."

Lähes täydellinen teksti (ja minun vähemmän täydellinen käännökseni), jonka Nana tulkitsee käyttäen koko tunne- ja nyanssiskaalalla.

Yksi ympyrä sulkeutui kuusi vuotta sitten, kun pääsin katsomaan Nana Mouskouria hänen jäähyväiskiertueensa Helsingin konsertissa Finlandia-talolla. 70-vuotias Mouskouri äänessä oli vielä voimaa, vaikka 70-luvun kirkkaus oli jo mennyttä. Laulaja teki minuun erityisen vaikutuksen ranskankielisellä versiollaan Bob Dylanin kappaleesta A hard rain's gonna fall. Upea livetallenne kappaleesta Le ciel est noir löytyy täältä.

Nana Mouskouri on yksi eurooppalaisen iskelmän suuria ääniä, joka on meillä jäänyt liian tuntemattomaksi. Nanan (lähes) kaikki vanhat ranskalaiset levyt löytyvät mm. Spotifysta ja iTunesista. Joten jos kiinnostuit, niin sinne mars kuuntelemaan.